Eva, por Alicia

EVA

DE

KIKE MAÍLLO

Alguna de las reseñas de cine que leí sobre “Eva” antes de verla, la calificaba como de cine de ciencia-ficción. Yo no me atrevería a decir tanto. Es más,  creo que es una película con una  buena dosis de cine fantástico, que,  sin embargo, no la convierte en cine fantástico. Lo fantástico no es más que un aspecto de los muchos que configuran la cinta, de numerosas  aristas, pero que en ningún caso representa el aspecto central. De haber sido así, no sé si me hubiera gustado (vaya por delante que ni el cine fantástico ni el de ciencia-ficción me interesan lo más mínimo). Es una película difícilmente clasificable. No es un thriller, aunque tiene cosas del thriller, ni  es cine fantástico, aunque lo es en alguna medida. Lo que sí puede afirmarse con rotundidad es que es un film fresco.  Destila misterio desde el inicio al  fin, pero no sólo por los componentes  de fantasía que contiene, sino por todos los elementos que la integran: desde el paisaje  elegido para el rodaje (un pueblo  situado en la ladera de unas montañas que permanecen nevadas a lo largo de todo el metraje), hasta  la psicología compleja de sus personajes, engarzados en una historia originalmente futurista. La muy acertada elección de los actores resulta fundamental (como siempre), para dar verosimilitud a la historia. A pesar de los ingredientes imaginarios, la película no pierde en ningún momento su credibilidad, parece como si todo lo que nos cuenta fuera efectivamente real, posible. Los actores, aquí  saben imprimir  las dosis de misterio necesarias a sus personajes  para intrigar al espectador, pero sin perder un ápice de realismo. Daniel Bruhl, (a mi juicio el prototipo de actor con gancho porque con cada personaje que recrea consigue seducirnos,  sin esfuerzo, con naturalidad, sin estridencias, como sin querer) está inmejorable en su papel de científico confundido, desorientado e incapaz de romper con su pasado.  Nos  presenta prodigiosamente a un  personaje lleno de incertidumbres, de contradicciones, de dudas, de recovecos, en definitiva de incógnitas  por despejar. Por su parte, Marta Etura, que aun no estando especialmente brillante en la cinta, está siempre oportuna en todas sus creaciones, lo que la hace merecedora de mi incondicional admiración (lo clava en la última de Jaume Balagueró, “Mientras duermes”,  película que recomiendo encarecidamente). El propio Amman, (al que únicamente conozco de su papel en Celda 211, donde no me dijo nada) logra una muy  certera recreación de su personaje, que a pesar de ser un tipo contenido, es capaz de mostrarnos quién es con absoluta precisión apenas sin palabras. Mención especial merece la interpretación de Lluís Homar, en el papel de robot dotado de una autonomía casi humanoide, y  que borda sin contestación. Por último, no me queda más remedio que referirme a la niña que da vida al personaje de Eva que, en mi opinión, no está a la altura. Resulta un tanto   irregular: a veces sobreactuada, a veces natural. En todo caso, el conjunto del elenco permite  construir una historia muy sólida a la vez que  liviana, en buena medida gracias  al papel de los guionistas (entre los que descubro con sorpresa a Sergi Belbel,  joven y reputado dramaturgo que da muestras, nuevamente, de su buen hacer inventado historias). Que no hay una buena película sin un buen guión, es el abc que muchos autores ignoran, y éste es un ejemplo claro de que un buen guión facilita mucho las cosas. Condición necesaria pero no suficiente, dado que se requiere, además,  la buena mano del autor que en este caso queda  suficientemente acreditada, visto el resultado final, que no es sino  el de una suma de aciertos en la elección: una buena historia, una impecable ambientación, una puesta en escena limpia y lírica, una más que notable interpretación, y la mano sabia del director. Contiene, pues, todos los ingredientes imprescindibles para conformar una película deliciosa, para disfrute de todo tipo de públicos. Resulta tremendamente gratificante descubrir nuevos talentos (es el primer largo de Kike Maíllo, sus cortos anteriores, de títulos sugerentes, han sido ampliamente premiados: “Las cabras de Freud” y “Los perros de Pavlov”), que nos deleitan de forma tan inesperada. Esto es lo que yo espero del cine, ni más ni menos.

Alicia dixit.

INTOCABLE

DE ERIC TOLEDANO Y OLIVIER NAKACHE

La película trata los temas de la discapacidad y la inmigración de manera amable, positiva y desdramatizada.

Driss, inmigrante senegalés, vive en los suburbios de Paris. Camina entre el desarraigo y la supervivencia. En ese mundo carente de perspectivas de futuro, practicando el aquí y ahora porque quizás no haya un después.

Con la intención de regular su situación de desempleado, acude a una entrevista de trabajo como asistente de Philippe, un tetrapléjico de la alta burguesía francesa. Nos adentra con su espontaneidad y sentido del humor en ese universo encorsetado y pagado de si mismo.

Su naturalidad y desparpajo conquistan a Philippe que sumergido en su estática existencia, dependiente de todo menos de su capacidad de amar, mantiene una relación platónica y epistolar desde hace demasiado tiempo.

De la camaradería y el buen entendimiento nace un vínculo entre ellos que resulta llamativo en estos tiempos en que la desigualdad social nos mantiene cada vez más alejados a unos de aquellos. Dos mundos que se acoplan compartiendo sensibilidad.

El sentido del humor en situaciones, a veces, muy dramáticas hace que la emoción te desborde el corazón. Reflexiones de vida con destellos hilarantes.

Es reconfortante, en ocasiones, salir del cine sonriendo y con la sensación de que el mundo va siendo más habitable. Un guiño de optimismo.

Rosa Gómez De Barreda

De tu ventana a la mía, por Germán

DE TU VENTANA A LA MÍA

DE

PAULA ORTIZ

         VIERNES CINE, empiezo a sospechar que una gran parte de los amantes del cine tenemos comportamientos similares en nuestra relación con este arte. No es la primera vez que a la entrada de la sala o yendo a tomar el café previo al inicio de la película, me cruzo en mi camino con personas que reconozco fugazmente.

         Es bastante habitual que antes, durante o después de ver la película me encuentre con un profesor de lengua y literatura del que tuve el honor de ser alumno de C.O.U., allá por 1974. Alberto que es como se llama, y hoy felizmente jubilado, pertenece a esa generación de jóvenes profesores que nada más terminar la Universidad volvieron al instituto como PNN’S. Tenían una enorme vocación por la docencia y le imprimían una modernidad a sus clases que hoy todos sus alumnos somos capaces de apreciar. Gracias a profesores como él, ahora somos capaces de disfrutar del séptimo arte o de la lectura de un buen libro, que no es poco.

            De tu ventana a la mía es una película  que narra tres historias diferentes de mujeres. Esta circunstancia le da la suficiente flexibilidad para que a los espectadores le guste un 33%, un 66% o un 99%. Sobre todo si pensamos que no todas las historias tienen el mismo éxito al narrar la trama que da cuerpo a la totalidad de la obra.

         Tres mujeres de tres épocas diferentes y de tres edades distintas buscan en el amor su esperanza vital y no lo encuentran porque todas sufren un acontecimiento repentino que se lo impide.

         En mi opinión es muy acertado un 33% de la película. El desarrollado durante la dictadura de Primo de Rivera en el entorno geográfico de Canfranc, donde la frontera con un mundo desarrollado, la proximidad con el conocimiento y la vulnerabilidad de la naturaleza impregnan las relaciones humanas. “Las flores no se arrancan” es la frase que articula esta historia que derrocha un lirismo visual muy bien interpretado por esa frágil flor que es la actriz LETICIA DOLERA a la que habrá que seguir en futuros trabajos. De Maribel Verdú prefiero no hablar.

         Es una película que se deja ver, aunque únicamente se obtenga un 1/3 de satisfacción. Muchos espectadores también obtendrán un 2/3 ó 3/3. Es la ventaja de construir sobre una misma base narrativa tres historias de mujeres diferentes, de diferentes edades, enmarcadas en momentos diferentes.

         Muy destacable la interpretación de Carmen Paris, una cantante de la que el mundo del arte no acierta a aprovechar bien su fuerza.

Germán

Los Lunes al Sol de Fernando León de Aranoa

POR LOLA DOMÍNGUEZ

Los lunes al sol es una película dirigida por Fernando León de Aranoa que cuenta con actores importantes del panorama cinematográfico español como Luís Tosar o Javier Bardem.

El tema principal del largometraje es el paro y las consecuencias que acarrea en la vida de un grupo de amigos: En la vida de Santa, de Amador, de José y de Lino (aunque les afecta a todos por igual cada uno reacciona ante esta barrera social de una manera distinta). También trata de las consecuencias que acarrea a nivel de la unión del grupo cada vez más fuerte a pesar de las contrariedades. La unión es el segundo tema principal de la película y cada miembro de esta unión conforma un engranaje distinto de un mecanismo que tiene como función protegerles y ayudarles a intentar superar los malos momentos, gracias al papel que desempeña cada uno. Este grupo de amigos se encuentra en el paro tras la reconversión de los astilleros en el norte de España. Probablemente se sitúa en Galicia aunque la situación geográfica exacta importa poco, pues esta película no está basada en un hecho real, está basada en muchos hechos reales: en una de tantas ciudades que han sufrido en sus carnes la reconversión industrial dejando en paro injustamente a centenares de personas. El grupo lo conforman varios personajes.

Por un lado, tenemos a Santa personaje principal de la película. Desde el principio, nos llama la atención du carácter. Puede resultar rudo, áspero y maleducado sin embargo a pesar de todo descubrimos que el personaje no se limita a estos rasgos de carácter y que estos rasgos no son más que una especie de coraza, de protección, que esconde a un gran soñador y a un hombre combativo. Además de tener sentido del humor, es el más sinvergüenza, el más caradura pero el que más se preocupa por la unión de todos: Es el primero en darse cuenta de los problemas de Amador (su mujer la ha abandonado, bebe demasiado, no tiene dinero). Se indigna ante cualquier aspecto que pueda frenar esta unión (como el tema de las indemnizaciones que los astilleros ofrecían por el despido) y es el que aporta más toques de humor a la película (que no esconden, sin embargo, su sufrimiento ya que en mi opinión es uno de los que más sufre en su lucha por mantener a todos unidos). Toques de humor que nos hacen olvidar por un instante, desde las antípodas, la tragedia que todos estos hombres sufren.

Por otro lado tenemos a José. Es un hombre cansado y agotado ante todos sus intentos frustrados de salir adelante, ante la vida. Su orgullo le hace llevar sobre sus hombros un remordimiento constante, un sentimiento de culpabilidad por el hecho de que su mujer tenga que llevar las riendas de una relación cada vez más deteriorada impregnada por el malhumor y el hastío diario. Llega hasta el punto de estar a punto de romperse cuando su mujer decide abandonarlo, decisión que por fortuna abandona en el último momento al darse cuenta que ella es uno de los pocos apoyos con los que cuenta José.

Amador es el personaje que aporta la dimensión más trágica a la película; abandonado por su mujer, alcohólico y pobre vive solo en unas condiciones precarias. Sin acabar de creerse el abandono de su mujer, o más bien avergonzado de tu situación se da a la bebida y arrastrado por la degradación acaba por quitarse la vida.

Lino es el personaje que más me ha impactado de toda la película (junto con Santa). Me ha impactado ya que es el único que intenta una vez tras otra lo imposible. Le rechazan por su avanzada edad y a pesar de eso hace todo lo que puede por encontrar un empleo. Intentos que acaban resultando cómicos y ridículos pero que encierran una profunda desesperación y un sentimiento combativo incansable.

Hay muchas escenas que me han resultado entrañables y me han llamado mucho la atención. Entre ellas destaca por supuesto la escena de la farola cuando Santa vuelve en el coche de pagar la multa por la primera farola que rompió y mientras su abogado le da una charla sobre valores rompe una segunda farola. También está la escena de la cigarra y la hormiga “La cigarra es una hija de puta y una especuladora”” y la de las cenizas, muy divertida.

La evolución de los personajes, a nivel de grupo, parece reforzarse con la muerte de Amador. En mi opinión al ver lo que le ha sucedido a su amigo comprenden que deben estar más unidos que nunca y ser cada uno un apoyo para el otro. Todos abandonan cualquier esfuerzo de seguir esta “lucha”(incluso Lino),y se lo toman con mucho humor como diciendo “De perdidos al río”. Este espíritu final nos lo muestra la última escena en las que pierden las cenizas de Amador y en vez de desesperar ríen todos (qué van a hacer…). Y Santa pregunta una vez más Qué dia es hoy? Y vuelve a ser otro lunes para ellos, otro lunes en el que se toman con más humor y menos desesperación su situación.

Lola

The Artist

De

Michael Hazanavicius

Me resultaba insólito que con el desarrollo actual de la técnica y el mundial debate sobre el negocio cinematográfico,  alguien tuviese la caradura de lanzar al mercado una película de cine mudo. Una operación de marketing muy bien orquestada. Un producto barato (dada la actual disponibilidad tecnológica) que apela a la nostalgia. Un producto que se aprovecha de la supuesta crisis de distribución, para invocar a nuestros sentimientos y reconciliarnos con las salas de cine: aquel lugar donde nuestros padres vivían ilusiones inalcanzables. Aquel lugar donde pasábamos a cubierto, (por falta de calefacción en los hogares) numerosas tardes de invierno viendo maravillosas películas de John Ford, Stanley Kubrick y otros; que nos dejaban hipnotizados frente a la pantalla, y alimentaban nuestras fantasías. O aquel lugar donde, años después, llevábamos a nuestros hijos las tardes de domingo en que más pesados se ponían. Ese lugar que nuestros hijos y nosotros mismos, estamos abandonando por otras formas de ver cine.

Hace apenas unos pocos días me he dejado convencer, y sí, la he visto. Hoy todavía la tengo en mente. ¡Qué película! Tiene una factura impecable, cuidada hasta los más ínfimos detalles, (cuando el desesperanzado protagonista pasea abandonado a su suerte por la ciudad, cruza frente a una tienda de nombre “LONELY STAR”). El blanco y negro le da una fuerza narrativa que para sí quisieran muchos efectos especiales.

La historia es de una rabiosa actualidad: el mundo que vivimos está sujeto a grandes y veloces cambios, a veces, difíciles de asimilar, entender; cambios que pensamos que no podremos ni incorporar, ni aceptar y que  desdeñamos como si fuesen cosas pasajeras, para al final aceptarlos y convivir con ellos. No podemos destruir nuestro pasado, es un trabajo tan inútil como que alguien intente borrar nuestro recuerdo. Por mucho que nos esforcemos en buscar la soledad y el abandono siempre tendremos alguna poderosa relación de amistad, aunque sea con un perro que nos dará apoyo en el último momento. Y el amor.

Una auténtica obra de arte que recomiendo a todo el mundo. Se disfruta desde el mismo momento en que se apagan las luces. Y es una gozada salir del cine y comprobar que todo el mundo abandona la sala con la misma expresión de sonriente adolescente enamorado. Sí, todo el mundo sale con esa expresión en la cara. Id y comprobadlo.

Germán.

Luces Rojas de Rodrigo Cortes

LUCES ROJAS

De

Rodrigo Cortes

Reconozco que espero las críticas de Carlos Boyero como agua de mayo cuando llegan los estrenos a la cartelera y o bien me interesa tener alguna referencia de las películas que por alguna razón llaman mi atención, o bien, espero que me descubran joyas del séptimo arte de las  que de otra manera no tendría nunca  noticia alguna, (ya sea por ser de autores ajenos a la industria norteamericana , por ser primerizos  o por estar al margen de los circuitos comerciales habituales).

En esa búsqueda por la “inspiración” a la hora de enfrentarme a la selección de la siguiente película que ver, es como he ido desarrollando una cierta empatía con las críticas de Boyero. De tanto leerlas y experimentar, a posteriori,  en mis propias carnes las sensaciones que  me provocan, he llegado a una conclusión: no siempre me entusiasman las películas que a él le gustan (aunque se da un elevado grado de coincidencia) pero casi siempre coincido con él en las decepciones. Sabido esto, y dado que su crítica de Luces Rojas no era precisamente favorable, me pregunto por qué me empeñé en ir a verla. En mi defensa diré que  una tiene sus manías y también se deja guíar por su instinto,  que, a mí, me ha dado muy buen resultado a lo largo de mis ya muchos años de incondicional amante del cine. Pues bien, el nuevo trabajo de Cortés me intrigaba y  ello a pesar de no haber  visto su laureada “Buried”.  La película  empieza bien, a mi entender. Apunta maneras, en un primer momento, aunque no sé si ello es debido más  a la presencia en la pantalla de la siempre impecable Sigourney Weaver , que a un inicio verdaderamente impactante.  Se podría  dejar en un “no empieza mal”. Pero con el transcurso de la trama,   la historia se va enredando de  tal manera que los trucos de guión  resultan  tan palmarios que  hacen decaer el interés. Se pierde la tensión inicialmente creada, y se barruntan todos los tópicos que nos esperan y que corresponden a este tipo de cintas, para finalizar buscando un efecto sorpresa que resulta, igualmente,  decepcionante. Para algunos (los entusiastas del género) puede resultar una película entretenida, aunque tramposa. Yo diría que la película falla en lo fundamental, y cualquier intento por salvarla resulta imposible a partir de su falso,  trucado e inconsistente guión. Pero a pesar del desencanto sigo teniendo fe en Rodrigo Cortés y estoy convencida de que puede depararnos futuras alegrías, porque detrás de esta floja película, se vislumbra un don  para contar, con gracia, historias en la pantalla.  Eso sí, dependerá en buena medida de su habilidad para elegir las historias, que consiga finalmente hacérnoslo pasar bien. Vamos, que no pudiendo recomendar la película, sí mantengo intacta mi primera intuición  de que subyace en ella un  talento que acabará por emerger.  Espero verla confirmada (mi intuición, se entiende) en futuros proyectos.

Rodrigo, quedo a la espera de tu próxima obra, no me defraudes. Mientras tanto, me haré con Buried.

Alicia dixit

Perversidad de Fritz Lang

PERVERSIDAD

FRITZ LANG

         El director cinematográfico Fritz Lang, uno de los máximos exponentes de la escuela expresionista, realizó esta obra maestra en 1945 basándose en la novela de Georges de la Fourchardière “La Chienne” (la Golfa).

Con la expresividad propia de este estilo y una sabia utilización de los escasos recursos disponibles  en  el blanco y negro, Fritz Lang nos cuenta dos historias. En una trata sobre  cómo la perversidad violenta está condenada a muerte y en otra cómo la vida triste, amargada y sombría lleva aparejada la condena a una pena de perpetuidad.

         Un guión redondo de un buen libro magníficamente interpretado por Edward G. Robinson: un simple cajero, aficionado a la pintura (que resulta ser un genio) que lleva una vida triste, resignada y depresiva, que es incapaz de abandonar. Estas características de su personalidad son fácilmente aprovechadas por Joan Bennet que interpreta perfectamente el papel de mujer fatal y perversa cuyo novio, un violento  y desaprensivo matoncillo interpretado magníficamente por Dan Duryea, manipula a placer para su personal beneficio. La máxima expresión de la perversidad está recogida en la frase que le dedica Joan Bennet a Edward G. Robinson: “Quise reírme en tu cara desde el momento en que te vi; eres viejo, feo y me pones enferma”.

         Esta película de cine negro sin detectives, maneja magistralmente aspectos de la personalidad que con frecuencia pensamos que  sólo existen en los guiones cinematográficos, pero que están más presentes de lo que imaginamos en nuestra vida cotidiana, lo que añade un plus de morbo y de  interés al  verla.

         Muy recomendable, lástima no poder visionarla con una recreación ambiental de USA año 1945 ¿Podría ser esta un buena propuesta comercial? 

Germán.