Los Lunes al Sol de Fernando León de Aranoa

POR LOLA DOMÍNGUEZ

Los lunes al sol es una película dirigida por Fernando León de Aranoa que cuenta con actores importantes del panorama cinematográfico español como Luís Tosar o Javier Bardem.

El tema principal del largometraje es el paro y las consecuencias que acarrea en la vida de un grupo de amigos: En la vida de Santa, de Amador, de José y de Lino (aunque les afecta a todos por igual cada uno reacciona ante esta barrera social de una manera distinta). También trata de las consecuencias que acarrea a nivel de la unión del grupo cada vez más fuerte a pesar de las contrariedades. La unión es el segundo tema principal de la película y cada miembro de esta unión conforma un engranaje distinto de un mecanismo que tiene como función protegerles y ayudarles a intentar superar los malos momentos, gracias al papel que desempeña cada uno. Este grupo de amigos se encuentra en el paro tras la reconversión de los astilleros en el norte de España. Probablemente se sitúa en Galicia aunque la situación geográfica exacta importa poco, pues esta película no está basada en un hecho real, está basada en muchos hechos reales: en una de tantas ciudades que han sufrido en sus carnes la reconversión industrial dejando en paro injustamente a centenares de personas. El grupo lo conforman varios personajes.

Por un lado, tenemos a Santa personaje principal de la película. Desde el principio, nos llama la atención du carácter. Puede resultar rudo, áspero y maleducado sin embargo a pesar de todo descubrimos que el personaje no se limita a estos rasgos de carácter y que estos rasgos no son más que una especie de coraza, de protección, que esconde a un gran soñador y a un hombre combativo. Además de tener sentido del humor, es el más sinvergüenza, el más caradura pero el que más se preocupa por la unión de todos: Es el primero en darse cuenta de los problemas de Amador (su mujer la ha abandonado, bebe demasiado, no tiene dinero). Se indigna ante cualquier aspecto que pueda frenar esta unión (como el tema de las indemnizaciones que los astilleros ofrecían por el despido) y es el que aporta más toques de humor a la película (que no esconden, sin embargo, su sufrimiento ya que en mi opinión es uno de los que más sufre en su lucha por mantener a todos unidos). Toques de humor que nos hacen olvidar por un instante, desde las antípodas, la tragedia que todos estos hombres sufren.

Por otro lado tenemos a José. Es un hombre cansado y agotado ante todos sus intentos frustrados de salir adelante, ante la vida. Su orgullo le hace llevar sobre sus hombros un remordimiento constante, un sentimiento de culpabilidad por el hecho de que su mujer tenga que llevar las riendas de una relación cada vez más deteriorada impregnada por el malhumor y el hastío diario. Llega hasta el punto de estar a punto de romperse cuando su mujer decide abandonarlo, decisión que por fortuna abandona en el último momento al darse cuenta que ella es uno de los pocos apoyos con los que cuenta José.

Amador es el personaje que aporta la dimensión más trágica a la película; abandonado por su mujer, alcohólico y pobre vive solo en unas condiciones precarias. Sin acabar de creerse el abandono de su mujer, o más bien avergonzado de tu situación se da a la bebida y arrastrado por la degradación acaba por quitarse la vida.

Lino es el personaje que más me ha impactado de toda la película (junto con Santa). Me ha impactado ya que es el único que intenta una vez tras otra lo imposible. Le rechazan por su avanzada edad y a pesar de eso hace todo lo que puede por encontrar un empleo. Intentos que acaban resultando cómicos y ridículos pero que encierran una profunda desesperación y un sentimiento combativo incansable.

Hay muchas escenas que me han resultado entrañables y me han llamado mucho la atención. Entre ellas destaca por supuesto la escena de la farola cuando Santa vuelve en el coche de pagar la multa por la primera farola que rompió y mientras su abogado le da una charla sobre valores rompe una segunda farola. También está la escena de la cigarra y la hormiga “La cigarra es una hija de puta y una especuladora”” y la de las cenizas, muy divertida.

La evolución de los personajes, a nivel de grupo, parece reforzarse con la muerte de Amador. En mi opinión al ver lo que le ha sucedido a su amigo comprenden que deben estar más unidos que nunca y ser cada uno un apoyo para el otro. Todos abandonan cualquier esfuerzo de seguir esta “lucha”(incluso Lino),y se lo toman con mucho humor como diciendo “De perdidos al río”. Este espíritu final nos lo muestra la última escena en las que pierden las cenizas de Amador y en vez de desesperar ríen todos (qué van a hacer…). Y Santa pregunta una vez más Qué dia es hoy? Y vuelve a ser otro lunes para ellos, otro lunes en el que se toman con más humor y menos desesperación su situación.

Lola

The Artist

De

Michael Hazanavicius

Me resultaba insólito que con el desarrollo actual de la técnica y el mundial debate sobre el negocio cinematográfico,  alguien tuviese la caradura de lanzar al mercado una película de cine mudo. Una operación de marketing muy bien orquestada. Un producto barato (dada la actual disponibilidad tecnológica) que apela a la nostalgia. Un producto que se aprovecha de la supuesta crisis de distribución, para invocar a nuestros sentimientos y reconciliarnos con las salas de cine: aquel lugar donde nuestros padres vivían ilusiones inalcanzables. Aquel lugar donde pasábamos a cubierto, (por falta de calefacción en los hogares) numerosas tardes de invierno viendo maravillosas películas de John Ford, Stanley Kubrick y otros; que nos dejaban hipnotizados frente a la pantalla, y alimentaban nuestras fantasías. O aquel lugar donde, años después, llevábamos a nuestros hijos las tardes de domingo en que más pesados se ponían. Ese lugar que nuestros hijos y nosotros mismos, estamos abandonando por otras formas de ver cine.

Hace apenas unos pocos días me he dejado convencer, y sí, la he visto. Hoy todavía la tengo en mente. ¡Qué película! Tiene una factura impecable, cuidada hasta los más ínfimos detalles, (cuando el desesperanzado protagonista pasea abandonado a su suerte por la ciudad, cruza frente a una tienda de nombre “LONELY STAR”). El blanco y negro le da una fuerza narrativa que para sí quisieran muchos efectos especiales.

La historia es de una rabiosa actualidad: el mundo que vivimos está sujeto a grandes y veloces cambios, a veces, difíciles de asimilar, entender; cambios que pensamos que no podremos ni incorporar, ni aceptar y que  desdeñamos como si fuesen cosas pasajeras, para al final aceptarlos y convivir con ellos. No podemos destruir nuestro pasado, es un trabajo tan inútil como que alguien intente borrar nuestro recuerdo. Por mucho que nos esforcemos en buscar la soledad y el abandono siempre tendremos alguna poderosa relación de amistad, aunque sea con un perro que nos dará apoyo en el último momento. Y el amor.

Una auténtica obra de arte que recomiendo a todo el mundo. Se disfruta desde el mismo momento en que se apagan las luces. Y es una gozada salir del cine y comprobar que todo el mundo abandona la sala con la misma expresión de sonriente adolescente enamorado. Sí, todo el mundo sale con esa expresión en la cara. Id y comprobadlo.

Germán.

Luces Rojas de Rodrigo Cortes

LUCES ROJAS

De

Rodrigo Cortes

Reconozco que espero las críticas de Carlos Boyero como agua de mayo cuando llegan los estrenos a la cartelera y o bien me interesa tener alguna referencia de las películas que por alguna razón llaman mi atención, o bien, espero que me descubran joyas del séptimo arte de las  que de otra manera no tendría nunca  noticia alguna, (ya sea por ser de autores ajenos a la industria norteamericana , por ser primerizos  o por estar al margen de los circuitos comerciales habituales).

En esa búsqueda por la “inspiración” a la hora de enfrentarme a la selección de la siguiente película que ver, es como he ido desarrollando una cierta empatía con las críticas de Boyero. De tanto leerlas y experimentar, a posteriori,  en mis propias carnes las sensaciones que  me provocan, he llegado a una conclusión: no siempre me entusiasman las películas que a él le gustan (aunque se da un elevado grado de coincidencia) pero casi siempre coincido con él en las decepciones. Sabido esto, y dado que su crítica de Luces Rojas no era precisamente favorable, me pregunto por qué me empeñé en ir a verla. En mi defensa diré que  una tiene sus manías y también se deja guíar por su instinto,  que, a mí, me ha dado muy buen resultado a lo largo de mis ya muchos años de incondicional amante del cine. Pues bien, el nuevo trabajo de Cortés me intrigaba y  ello a pesar de no haber  visto su laureada “Buried”.  La película  empieza bien, a mi entender. Apunta maneras, en un primer momento, aunque no sé si ello es debido más  a la presencia en la pantalla de la siempre impecable Sigourney Weaver , que a un inicio verdaderamente impactante.  Se podría  dejar en un “no empieza mal”. Pero con el transcurso de la trama,   la historia se va enredando de  tal manera que los trucos de guión  resultan  tan palmarios que  hacen decaer el interés. Se pierde la tensión inicialmente creada, y se barruntan todos los tópicos que nos esperan y que corresponden a este tipo de cintas, para finalizar buscando un efecto sorpresa que resulta, igualmente,  decepcionante. Para algunos (los entusiastas del género) puede resultar una película entretenida, aunque tramposa. Yo diría que la película falla en lo fundamental, y cualquier intento por salvarla resulta imposible a partir de su falso,  trucado e inconsistente guión. Pero a pesar del desencanto sigo teniendo fe en Rodrigo Cortés y estoy convencida de que puede depararnos futuras alegrías, porque detrás de esta floja película, se vislumbra un don  para contar, con gracia, historias en la pantalla.  Eso sí, dependerá en buena medida de su habilidad para elegir las historias, que consiga finalmente hacérnoslo pasar bien. Vamos, que no pudiendo recomendar la película, sí mantengo intacta mi primera intuición  de que subyace en ella un  talento que acabará por emerger.  Espero verla confirmada (mi intuición, se entiende) en futuros proyectos.

Rodrigo, quedo a la espera de tu próxima obra, no me defraudes. Mientras tanto, me haré con Buried.

Alicia dixit

Perversidad de Fritz Lang

PERVERSIDAD

FRITZ LANG

         El director cinematográfico Fritz Lang, uno de los máximos exponentes de la escuela expresionista, realizó esta obra maestra en 1945 basándose en la novela de Georges de la Fourchardière “La Chienne” (la Golfa).

Con la expresividad propia de este estilo y una sabia utilización de los escasos recursos disponibles  en  el blanco y negro, Fritz Lang nos cuenta dos historias. En una trata sobre  cómo la perversidad violenta está condenada a muerte y en otra cómo la vida triste, amargada y sombría lleva aparejada la condena a una pena de perpetuidad.

         Un guión redondo de un buen libro magníficamente interpretado por Edward G. Robinson: un simple cajero, aficionado a la pintura (que resulta ser un genio) que lleva una vida triste, resignada y depresiva, que es incapaz de abandonar. Estas características de su personalidad son fácilmente aprovechadas por Joan Bennet que interpreta perfectamente el papel de mujer fatal y perversa cuyo novio, un violento  y desaprensivo matoncillo interpretado magníficamente por Dan Duryea, manipula a placer para su personal beneficio. La máxima expresión de la perversidad está recogida en la frase que le dedica Joan Bennet a Edward G. Robinson: “Quise reírme en tu cara desde el momento en que te vi; eres viejo, feo y me pones enferma”.

         Esta película de cine negro sin detectives, maneja magistralmente aspectos de la personalidad que con frecuencia pensamos que  sólo existen en los guiones cinematográficos, pero que están más presentes de lo que imaginamos en nuestra vida cotidiana, lo que añade un plus de morbo y de  interés al  verla.

         Muy recomendable, lástima no poder visionarla con una recreación ambiental de USA año 1945 ¿Podría ser esta un buena propuesta comercial? 

Germán.

Edgar de Clint Eastwood (Comentario de Alicia Dixit)

EDGAR

DE

Clint Eastwood

Si el cine es entretenimiento, Edgar no llega a alcanzar la categoría de tal. Qué es, entonces, Edgar? Estando más próxima al  documental, no lo es, aunque yo quizá la hubiera tolerado mejor en ese formato, o directamente no habría ido a verla. O hubiera esperado a que la emitieran por la 2. Pero  lo que más  sorprende es que habiendo dado Clint Eastwood sobradas muestras de su solvencia como director versátil, se haya quedado, en esta ocasión, tan lejos de alcanzar ese objetivo elemental de entretener. Qué falla? O mejor, qué falta? Quizá una cierta empatía del director  con el personaje, porque se aprecia una ausencia  tan evidente de entusiasmo al acometer el relato que parece como  si el sujeto y sus avatares le trajeran al pairo a su relator. O puede que lo único que Clint haya pretendido es distanciarse del  protagonista para no ofrecer una visión viciada por la percepción personal. Pero, es, acaso, esto posible? De cualquier manera, sea cual sea la causa, lo único que consigue es contagiar la más absoluta de las indiferencias. No alcanza a  transmitir nada: el tipo no llega ni a caerte mal. Pero tampoco simpatizas con él en ninguna ocasión. Ni te provoca compasión, ni  te indignan sus comportamientos, cuando deberían hacerlo. La imagen de Edgar no queda claramente perfilada. La historia se compone de pinceladas poco nítidas y bastante inconexas: la relación con la madre castradora, su homosexualidad mal aceptada,  su impulso de ciertos  avances en materia de investigación criminológica, sus relaciones con sus colaboradores más directos, su peculiar vínculo con alguno de los presidentes de la nación, ciertos comportamientos  de sociópata …..  En el fondo toda la historia resulta  vacua, anodina, fría y a todo a lo que aspiras es a que llegue el momento del “the end”, para echar la película en el más absoluto de los olvidos. No me interesa el cine histórico, de la misma manera que no me atrae la novela del mismo género, razón por la que he dejado de ver algunos de sus últimos trabajos: “Invictus”, “Cartas desde Iwo Jima”, etc;  pero nada de esto explica mi decepción,  ni impide que no me  resigne a aceptar la insustancialidad de “Edgar”.  Con la de películas conmovedoras que hemos visto salir de la batuta de Clint Eastwood……!!!!!!!!

Alicia dixit.

Edgar de Clint Eastwood

EDGAR

DE

Clint Eastwood

Durante mucho tiempo he tenido la sensación de que Clint Eastwood era ese tipo de personas que instrumentaliza la poderosa herramienta para contar historias que es el cine, en provecho propio. Mis recuerdos de este actor y director iban unidos a bodrios inconmensurables como los Spaghetti Western, las de  soldado/patriota/americano o las sagas de un policía machote y fachoso al que le ponía cachondo liarse a mamporros con el primer sospechoso que se cruzaba en su camino. Sin lugar a dudas era el héroe de los policías franquistas que consideraban el estado de derecho una mariconada. Estos pensaban que los delitos se resolvían empezando a dar hostias al primero que se cruzaba en su camino hasta que apareciese el culpable y si no aparecía, los que habían cobrado, algo habrían hecho.

         Más adelante, particularmente a partir de la película “Sin Perdón” empezó a interesarme y tengo muy buenos recuerdos de “Mistyc River”, “Million Dollar Baby”, “Los Puentes de Madison”, “El Gran Torino”e incluso de “Mas allá”. Es por estas obras por lo que procuro ir a ver sus películas.

         No había oído hablar de su última propuesta “Edgar” pero me parecía que podía ser interesante. La biografía de la persona que más tiempo ha ocupado la dirección del FBI, 50 años, y que consiguió  mantenerse en el puesto durante el mandato de 8 Presidentes de EE.UU,  parecía una historia digna de ser llevada al cine  ¿Qué insondables misterios nos desvelaría Clint? ¿Cómo nos lo contaría Clint?

         Con esa curiosidad he tomado asiento en la sala y cuando llevaba apenas 15 minutos ya estaba profundamente decepcionado. La película no tiene ritmo, no sabe utilizar ninguna de las poderosas herramientas que ofrece el cine para contar historias, ni tan siquiera sabe, para mantenernos atentos a la pantalla, utilizar los  recursos del cine clásico, hasta el maquillaje y la caracterización de los personajes es poco creíble.

La interpretación de Leonardo Di Caprio es francamente mala, no le da al personaje ni el carácter de persona taimada, ni de salvapatrias, ni de acomplejado por su madre castradora, ni de enamorado de su colaborador que a su vez está enamorado de él.

El cine es una herramienta muy poderosa para contar historias. Clint Eastwood ha sabido emplearla para hacerse de oro al tiempo que,  sabiamente, nos contaba bellas historias sobre el amor, la ambición, la lucha por sobrevivir, la vida y sobre la línea que separa la vida de la muerte. En esta película no ha conseguido  emplear las herramientas que ofrece el cine para contarnos una historia interesante. Únicamente se ha sentido tan poderoso que nos ha ofrecido su nombre, pensando, con eso bastaba.

No vayáis a verla, no la veáis ni tan siquiera en DVD. Casi es mejor ver cualquier documental de la 2. Si el director de este programa televisivo hiciese un reportaje sobre la historia del FBI, es seguro que sería más interesante que la película “EDGAR” de Clint Eastwood.

Germán